De todas las posibles fantasías del ser humano, una de las más quiméricas (y una que hemos hecho realidad) es viajar al espacio y ver con nuestros propios ojos el portento de su existencia. Al momento de explicar el mundo a los niños, otra de nuestras grandes odiseas es dejarles entender conceptos tan abstractos y complejos como el tiempo y el espacio.

¿Cómo explicarle a un pequeño qué es viajar a la velocidad de la luz y cuáles serían sus efectos sobre nuestra percepción o sobre nuestro cuerpo? ¿Cómo invitarlos a imaginar la calidad inconmensurable y gigantesca del cosmos? Producido y escrito por Chris Smith, animado por Krystofer Kim y realizado con la ayuda de científicos del Goddard Space Flight Center de la NASA, este precioso video animado explica de manera divertida, fresca y educativa qué pasaría si viajáramos a la velocidad de la luz —algo que a todos, chicos y grandes, nos gustaría saber.

Cuando compositores virtuosos y musicólogos eruditos se juntan para colaborar con insectos y otros animales, ocurren cosas sorprendentes. Y esto es lo que sucedió alrededor de Cicada Dream Band. Se trata de un proyecto que reúne a la pionera de la música electrónica, Pauline Oliveros, al clarinetista y estudioso de la sonoridad animal, David Rothberg, y a Timothy Hill, maestro de la armónica y la voz. Entre otras cosas, esta banda se acompañó en su estudio, en Nueva York, de cientos de cigarras que una vez al año llegan a las calles de esta ciudad.

Durante un proceso creativo la naturaleza no solo puede ser musa o maestra, también una franca colaboradora. La Cicada Dream Band así lo prueba. 

Visita de estudio abierto es un primer intento por compartir reflexiones, entrevistas, comentarios puntuales, o narrativas abiertas mediante videos cortos que exponen ciertos procesos que se llevan a cabo en los estudios de trabajo de artistas contemporáneos. 

Con la intención de compartir prácticas artísticas afines a la línea de enfoque que buscamos privilegiar en TAE bajo el concepto de arte social, es fundamental abrir y transparentar —a campo abierto, digamos—, procesos artísticos que busquen continuar expandiendo nuestro conocimiento para juntos, ojalá, lograr resonar.

El artista Antonio Bravo Avendaño —desde un estudio de trabajo alterado, modificado a partir de las condiciones actuales— continúa explorando la manera de trabajar en otro exterior y por medio de esfuerzos igualmente colaborativos, para lograr sembrar las semillas del temporal pasado. El arte como herramienta para resistir, para recuperar y para luchar contra el olvido, es parte de un proceso de transformación en donde rige la creatividad, la participación y la responsabilidad. Así, el espacio de trabajo se torna un territorio de lucha; mientras, el espacio de lucha es un territorio de trabajo.

Recordar que justo ahora, sin importar cuando lo leas, hay niños jugando en el mundo, es algo reconfortante. Son los juegos un momento en que la imaginación se lleva a lugares increíbles y nos conectamos, tal vez, con una de las regiones más limpias del ser humano. 

Durante un par de décadas, Francis Alÿs ha documentado juegos populares de niños alrededor del mundo. A pesar de lo distinto del entorno, en algunos casos de la vestimenta, y otros elementos culturales, llama la atención como existe una especie de aura en todas las escenas.

“Papalote” (2011) muestra a un niño de diez años volando una cometa o papalote en un pueblo de Afganistán. Vemos como sus movimientos adquieren una notable gracia, mientras él juega con las fuerzas del viento, la gravedad y la materia. 

Animar patrones abstractos en la década de los 30’s, cuando la industria sólo pedía animales moviéndose como humanos, era un acto puro de disidencia creativa. Justo en esos momentos, Oscar Fischinger se caracterizó por crear animaciones de hipnótica elegancia. 

Un poema óptico es sólo una de las encandilantes piezas que el alemán produjo en su carrera. Pero destaca por la impecable sincronía entre imagen y sonido (la Rapsodia Húngara No.2, de Franz Liszt), por lo cual hay quien lo considera el primer video musical de la historia.    

Tras probar suerte en Hollywood, colaborando con Walt Disney, Fischinger optó por dedicarse sólo a la creación artística. Su trabajo influyó significativamente en personas como el compositor John Cage. Contemplar su poema óptico es buena forma de degustar el genio de este gran artista. 

El cosmos, sus cuerpos y vecindarios, son una franca invitación a maravillarnos con la  posibilidad de existir, y ser parte del universo. A Film Lesson in Nature Study: The Sky es una video introducción, de 1928, al cielo y sus encantos; este cautivador esfuerzo por familiarizar, hace casi un siglo, al público con las dinámicas del cosmos tiene un mensaje aún más profundo: el relacionarnos con las cosas desde el asombro originario, desde el encantamiento. 

Cuarenta mil imágenes de un bosque en Indiana, Estados Unidos, fueron capturadas a lo largo de quince meses por el fotógrafo Samuel Orr. Posteriormente, estas imágenes fueron ensambladas en un timelapse que resultó en un video de poco menos de tres minutos. 

Se trata de un retrato vivo de los ciclos de la naturaleza enmarcados en un bosque que funge como espejo del tiempo. El resultado no solo es visualmente arrobador, también es una invitación a sintonizarnos con los ritmos y los ciclos de la naturaleza, que a fin de cuentas nos incluyen también a los humanos.  

La naturaleza habla de formas hermosas y una de ellas son, sin duda, los copos de nieve. Estas estructuras hexagonales que siempre cautivan al observador, son cristales de hielo tallados por las fuerzas y ritmos naturales; desde una perspectiva estructural, se trata de una encantadora colaboración entre moléculas de hidrógeno y oxígeno.

Snowtime (2014) es un timelapse microscópico que documenta la formación de copos de nieve. El proceso captado por Vyacheslav Ivanov, que resulta evidentemente hipnótico, es una prueba más de la delicadeza que caracteriza a la naturaleza, y a nosotros como parte de ella. También es una buena oportunidad para relajarnos contemplando la sencilla perfección del mundo natural.  

“La última danza” es un cuento para niños, en maya, que forma parte del proyecto 68 voces –cuentos animados en las 68 lenguas indígenas que sobreviven en México–. La pieza, además de hermosa, transmite una reflexión sobre aspectos esenciales de la existencia: la impermanencia, los ciclos y el amor. “La última danza” fue inspirada en un cuento de  Isaac Essau Carrillo Can, y  dirigido por Gabriela Badillo.

Una de las obras teatrales más exorbitantes de la historia fue presentada en 1922, y hasta la fecha cautiva por su extravagancia. Se trata del Ballet Triádico, de Oskar Schlemmer, una exploración estética de un posible futuro, y que, desde la óptica de la Bauhaus,  enmarca una suerte de apología geométrica del ser humano.     

El atrevimiento de esta pieza, considerada como la primera obra teatral multimedia y puede considerarse pre-surrealista, nos recuerda a dos ingredientes esenciales del acto artístico: la libertad y la innovación. 

En 2011, la Fundación Cartier reunió en Mathematics: A Beautiful Elsewhere a algunas de las mentes más creativas y brillantes para crear una serie de piezas que evidencian la desbordante belleza de las matemáticas: Hiroshi Sugimoto, David Lynch, Patti Smith y Takeshi Kitano, entre otros. 

Como parte de la exposición, Beatriz Milhazes y Dominique Vidal crearon esta pieza llamada “Mathematical Paradises”, que enfatiza en la intimidad que guardan los ritmos y patrones de la naturaleza con el arte de los números. Se trata de un recorrido audiovisual que nos recuerdan que la perfección natural puede también decodificarse por medio de las matemáticas.  

Una mañana, Jarbas Agnelli leía el diario y encontró una imagen de aves posadas sobre cables eléctricos. La recortó y luego reemplazó la posición de cada ave por notas musicales, considerando los cables como líneas de una partitura.

El resultado fue una melodía genuinamente orgánica que, como aseguraba Pitágoras, revela la naturaleza musical de nuestra realidad. A fin de cuentas vivimos en un universo que se desdobla melódicamente, y los sonidos que evoca así lo demuestran.  

Como parte del programa Sonic Cure, una iniciativa de músicos para acompañar a las personas de China durante su aislamiento en febrero, Ryuichi Sakamoto, uno de los más prestigiados músicos contemporáneos, diseñó esta pieza. 

Incluye 29 minutos de improvisación musical, que oscilan entre la estridencia trascendental y el simple acompañamiento sonoro, que el japonés grabó desde su jardín : “Hay que lavarnos las manos, pero también cuidar el agua. Mantengamos la distancia social. Quédate dentro, en casa. Y espero que disfrutes esta música. “

El exceso de estímulos visuales e informativos nos ha, en alguna medida, distanciado de la magia de la sencillez. Y son precisamente ese tipo de cosas y situaciones las que pudieran guardar los secretos más preciados de la existencia. 

¿Puedes imaginar algo más mundano que el proceso de germinación de un frijol? Pues justo lo que esta pieza de GPhase ilustra. Durante tres minutos observaras el desdoblamiento de esta semilla y, aunque cueste creerlo, se trata de una vivencia hechizante: una invitación a re-encantarnos con la profunda sofisticación de los procesos más orgánicos, y habituales, de la naturaleza.  

El mundo de los corales es sin duda un paraíso para los sentidos. Los ritmos, colores y texturas que ahí reinan, inducen experiencias de arrobadora belleza. Por eso no debiera sorprendernos que sean los corales el pulso original de este excitante proyecto de arte, ciencia y divulgación.  

Coral Morphologic se autodefine como “una plataforma multifacética para desarrollar una simbiosis entre los seres humanos y los corales”. A partir de ahí, generan algunos de los más exquisitos registros visuales de corales que, acompañados de música inmersiva compuesta por ellos mismos (y algunos amigos), animan una narrativa alucinante. 

El vuelo sincronizado de miles de estorninos (Sturnus vulgaris) es un espectáculo ciertamente hipnótico. Este fenómeno, que recibe el poético nombre de “murmuración”, ha maravillado al ser humano desde tiempos inmemorables, y existen cientos de registros fotográficos y audiovisuales del mismo.  

El cineasta neerlandés Jan van Ijken documentó el vuelo coreográfico de los estorninos en los campos de su país natal. The Art of Flying es el nombre del cortometraje que resultó de este trabajo. Se trata de una pieza que, evidentemente, nos murmura una invitación: déjate encantar por la naturaleza, con sus ritmos, ciclos y perfección. Finalmente, las parvadas de estorninos tiene también otra sugerencia para nosotros: la posibilidad de que la colectividad coordinada sea el único camino hacia la perfección.

Cuando confluyen la expresión corporal, el arte y la reflexión autobiográfica, ocurre algo muy poderoso. Así lo demuestra este ritual catártico, protagonizado por la buceadora libre, bailarina y cineasta subacuática, Julie Gautier. 

En su pieza titulada Ama, la artista francesa se sumerge, literalmente, en una aventura sanadora:

“Cuenta una historia que cada quien puede interpretar a su manera, considerando su propia experiencia. No hay imposición, sólo sugerencias. Con esta pieza quería compartir mi mayor dolor en esta vida. Para no hacer de esto algo demasiado crudo, lo cubrí con gracia. Para no hacerlo tan pesado, lo sumergí en el agua. Le dedico esta obra a todas las mujeres del mundo”.

Sillas (Musical Chairs) es una pieza del artista belga, radicado en México, Francis Alÿs. La obra forma parte de una serie de videos que documentan juegos infantiles alrededor del mundo.

Aquí vemos una escena del “juego de las sillas”, registrado en Oaxaca, México. Se trata de una invitación a reconectar con la esencia lúdica de la condición humana. No cabe duda que mientras los niños sigan jugando, la esperanza seguirá pulsando en este planeta.